Griego

La civilización griega es una de las épocas más brillantes de la historia de la humanidad (filosofía, arte y saber general). El arte griego, tanto en arquitectura, como escultura y pintura fue creado conforme a un ideal de perfección en la forma y en el contenido que sirvió de modelo a los pueblos sucesores.

Grecia fue inicialmente agrícola. La escasa fertilidad de su suelo impulsó a sus habitantes al desarrollo de actividades marítimas y comerciales y estimuló en ellos la producción artesanal.

Los griegos se caracterizaron por una visión del mundo antropocéntrica (sus dioses están hechos a imagen del hombre, la armonía de su arte se genera a partir de la contemplación del ser humano). El humanismo griego exalta al hombre como "medida de todas las cosas". Su idealismo trata de representar al mundo tal como lo percibe la mente en lugar de hacerlo cómo lo captan los sentidos.  Para el griego lo bello está po encima de lo útil.

El arte griego (en su arquitectura, escultura y pintura) se crea conforme a un ideal de perfección. Se plasma en la arquitectura y en la escultura: el orden arquitectónico y el canon de belleza se definen intelectualmente como la armonía de las partes en el todo buscando la belleza ideal.

Los artistas son apreciados socialmente, su prestigio directamente proporcional a sus habilidades artesanales.

Las estatuas de los dioses del Olimpo de Fídias, eran calificadas por los críticos como una ampliación de la mismísima religión olímpica.

Las esculturas de hombres comunes de Policleto alcanzaron tal grado de perfección que fueron tomadas como modelo para el estudio del cuerpo humano, desde el convencimiento de que también el arte debía cumplir una función didáctica.

Los edificios griegos fueron construidos a la medida del hombre, construidos para ser admirados desde el exterior (mayor importancia de los exteriores que los interiores). Los griegos siempre se esmeraron en los edificios públicos (templos, santuarios). Interesa más la proporción que la masa. La armonía visual fue la gran obsesión de los helenos. Para conseguirla utilizaron varias técnicas: inclinación de las columnas, utilización de la entasis (un ensanche central de las columnas para evitar el deforme visual), desigualdad distancia entre las columnas. El arquitrabe se ve afectado por el defecto visual, por su posición totalmente horizontal. Para solucionarlo curvarán el estereobato y el entablamiento.

En la arquitectura griega un elemento básico los constituye la Columna (elemento imprescindible de la estética de su arte).

La arquitectura griega es arquitrabada o adintelada, dominan las líneas rectas, tanto horizontales como verticales. Los griegos no sobreponer pisos.

Originariamente utilizaron la madera, luego utilizaron el aglomerado, más tarde el mármol (época clásica)[1].

Los edificios, en especial los templos, eran policromados. Normalmente se “policromaban” los frisos y los relieves. El fondo de las metopas era pintado de verde, y los triglifos de azul.

El templo fue uno de los legados más importantes de la arquitectura griega: sus edificios de mármol blanco, tintados con colores vivos, se fueron estilizando.

Desarrollaron los tres órdenes arquitectónicos (normas según las cuales se construyen los edificios).

Los templos:

Los griegos, conocedores de los templos en piedra de los egipcios, comenzaron en el siglo VII a.C. a construir sus propios templos con un estilo personal y distintivo. Son el edificio de las divinidades griegas.

El templo tipo era de planta rectangular con nave alargada, elevado sobre una pequeña base escalonada llamada crepidoma y situado en un recinto donde se llevaban a cabo las ceremonias rituales.

Partes:

a) Pronaos.

b) Naos o cella:  donde está la divinidad.

c) Opistodomos: el ajuar.

Los templos pequeños presentaban un frente porticado con dos columnas (in antis), a veces con otra fila de columnas delante (próstilo).

Los templos más grandes, con pórticos en ambos extremos (anfipróstilos), podían tener un vestíbulo de seis columnas antes de cada uno de sus pórticos, o estar totalmente rodeados por un peristilo (perípteros).

La columnata sostenía un entablamento, o dintel, bajo un tejado a dos aguas.

 

Tipos:

según la posición de las columnas

Áptero: templo circular sin columnas.

Monoptero: Cuando el templo es redondo.

In antis: Cuando no tiene columnas en el exterior.

Próstilo: Cuando sólo tiene columnas en la parte delantera.

Anfipróstilo: Cuando sólo tiene columnas delante y detrás.

Díptero: dos filas de columnas.

Períptero: Cuando tiene columnas alrededor.

Pseudoperíptero: con columnas en los dos lados mayores.

según el número de columnas

Dictilo: Dos columnas

Tetrastilo: Cuatro columnas en el frente.

Hexastilo: Seis columnas

Octactilo: Ocho Columnas

Decástilo: 10 columnas.

Dodecástilo: 12 columnas.

Los tres ordenes de la arquitectura griega.

El Orden Dórico lo caracteriza su simplicidad.

El orden dórico se originó en la península helénica, pero se difundió por todas partes[2].

Las gruesas columnas dóricas no tienen basa (las más sencillas de todas). Los primeros escalones son las gradas. El último escalón se llama estilobato.

Los capiteles están compuestos de un bloque cuadrado (ábaco) sobre un elemento redondo en forma de almohadilla (equino). En el pie del fuste el collarino.

Son robustos y colocados a escasa distancia. Su pesadez aliviada por un fuste abombado y estriado. El fuste es acanalado a arista viva y disminuye de diámetro hacia arriba (Éntasis).

Las columnas sostienen un entablamento compuesto por un arquitrabe (liso y sin decoración) y un friso que se une al arquitrabe por las gotas y se divide en triglifos y metopas (En el friso se tallaban triglifos verticales sobre cada columna, dejando entre ellos metopas oblongas, que más tarde fueron cuadradas. Al principio pintadas, más tarde decoradas con bajorrelieves figurativos. Las metopas contienen relieves y se encuentran encima de la cornisa (saliente para el agua).

Más arriba está el frontón, dentro de él está el tímpano: zona triangular para realizar relieves. El frontón es triangular para dar lugar al techo a dos aguas.

Jónico:

Las columnas jónicas, originarias de Jonia (Asia Menor) y las islas griegas[3], son más esbeltas y estilizadas, con estrías más finas se colocan a mayor distancia que las dóricas.

Cada una descansa sobre una basa moldurada y termina en un capitel con forma de almohadilla plana que se enrolla en dos volutas en los laterales. El capitel está formado por tres partes (abaco, equino y volutas), también se encuentran más elementos decorativos

Tras la base, la columna tiene astrágalo.

El fuste tiene cantos planos. La columna tiene basa (compuesta de Plinto, Toro y Escocia).

El Arquitrabe dividido en tres franjas. El entablamento, más ligero que en el estilo dórico, podía tener un friso continuo. Sobre él está el denticulo, está debajo de la cornisa. Los frisos se hallan decorados con relieves que narran historias mitológicas

Corintio:

En la comarca de Corinto tuvo un gran desarrollo el Orden Corinto.

Tiene basa (varios toros y escocias) y fuste (igual al jónico, aunque más esbelto).

El capitel es típico por el terminado en hojas de acanto. Las formas se estilizan.

El capitel es adornado con hojas de acanto que terminan en las esquinas en pequeñas volutas naturales, separadas por un pequeño adorno en forma de flor.

El equino y el ábaco son muy delgados.

Agrega una tercera hilera de columnas y acentúa los elementos decorativos en el friso y la cornisa.

El entablamiento es más complejo:

El arquitrabe tiene tres partes.

El friso es continuo y adornado de relieves.

La cornisa tiene dentiles y una corona.

Cariátide

En el Orden cariátide la columna es representada por jóvenes condenadas a ser columnas.

Se suelen distinguir cuatro períodos en la evolución del arte griego (Siglos VIII a.C. al II a. de C.):

Arcaico (siglos VIII a. de C. al VI a. de C.).

 

Escultura arcaica[4]

Escultura monumental en piedra ligada a tradiciones artísticas orientales. De Egipto toma esquemas compositivos, el hieratismo de las figuras.

2 modelos básicos de esta escultura:

Kuroi: modelo de belleza masculino:

Desnudos.

Indiferencia emotiva: rostro impávido.

Imágenes estáticas.

Formas cúbicas.

Evolución hasta un realismo: se alejan de los modelos egipcios, aparece la sonrisa arcaica o eginética.

Korei / Korai: modelo femenino.

Están vestidas.

Haciendo alguna actividad.

Rígida frontalidad.

Complicados peinados y refinados adornos.

Ojos saltones.

El período "severo" cubre el fin del siglo VI A.C. y el principio del siglo V. 

En el área de la pintura[5], se introduce uno de los mayores artificios de la perspectiva, el escorzo, que es promovido por un pintor de gran renombre, Polignoto. 

La Aparición del Escorzo.

Hasta el período severo, los seres humanos son tradicionalmente pintados en una posición distorsionada donde algunas partes son de perfil y otras de frente, y no existe un intento exitoso de expresar la tercera dimensión, es decir, la profundidad en el plano donde se pinta. 

A partir de esta época, el pintor se va a atrever a representar lo que observa, de preferencia a lo que conoce o sabe de la realidad. De ahí que para mostrar la tercera dimensión puede pintar el pie de frente, pero corto, dejando poco espacio entre el talón y los dedos.

Con el paso del tiempo, esta técnica se irá perfeccionando hasta lograr una representación natural, los cuerpos se mostrarán de perfil o de frente y sin distorsión. También se empieza a dibujar el ojo de perfil. 

Cuando los pintores del renacimiento redescubren el escorzo, se vuelven virtuosos en su uso como se puede observar en la photo a la derecha. 

Polignoto.

Es el pintor más conocido del período severo, mas no tenemos ninguna muestra de su obra.

Sólo se le conoce a través de los escritores que lo nombraron. Se le atribuye la introducción de la naturaleza en la pintura: flores, árboles, olas del mar, etc.

Hizo su propio intento de perspectiva, distribuyendo las figuras a diferentes niveles en vez de colocarlos todos sobre la misma línea. En la convención que propuso, los personajes que se encuentran abajo son los que ocupan el primer

La Escultura Clásica[6]

La evolución se observa particularmente en la estatuaria.

El período, más que la amabilidad de la época anterior, proyecta la serenidad.

Caras: Las caras son ahora más bien redondas. El pelo es corto, ligeramente rizado, pegado a la cabeza y amarrado. La sonrisa ha desaparecido. Los detalles muestran refinamiento. En las estatuas de metal, las pestañas son soldadas una por una, los labios son de cobre y los ojos de marfil y vidrio de color.

 Cuerpo: El cuerpo empieza a manifestar movimiento y su posición cambia bajo la inspiración de Policleto. A una inmovilidad casi simétrica, se opone la naturalidad y la estatua empieza a ocupar más espacio. No sólo se espera que sea vista de frente sino que también se invita el espectador a mirar alrededor.

 Los relieves muestran una tendencia cada vez más marcada a subrayar la gracia, en particular en las representaciones femeninas.

Tres estatuas sintetizan el período: el auriga de Delfos, el Discóbolo de Mirón y el Doríforo o "Canon" de Policleto.

El Discóbolo de Mirón

Existen varias copias de la estatua de Mirón (maestro del movimiento y gran broncista), en particular una en el Vaticano.

Discóbolo: Lanzamiento del disco. El interés de la estatua, independientemente de su belleza, es que caracteriza un arte en transición. La estatua no abarca todavía todo el espacio circular , pero tampoco es exclusivamente frontal. Arcaísmo en el pelo. Escultura en movimiento que se integra en el espacio.

El pecho y la cara siguen de frente , mas las piernas son de perfil. La posición indica movimiento y se percibe la tensión.

El Doriforo o "Canon" de Policleto.

Existen varias copias del Doriforo. 

Representan a un joven desnudo que sostiene una lanza en la mano izquierda. Se le llama "el Canon" porque impone un nuevo tipo de representación del hombre.  Técnico de las proporciones.

Doríforo: Es un atleta lanzando la jabalina. La proporción frontal permite contemplar su cuerpo de proporciones matemáticas. Sensación de volumen. Una pierna sostiene, y la otra descansa.

De hecho se sabe que Policleto escribió su propio tratado de escultura donde definió, entre otras cosas, las proporciones del cuerpo humano: la cabeza es contenida siete veces en la altura del resto del cuerpo y es dividida en tres partes iguales: un modelo de equilibrio lógico. 

La posición del Doriforo también se vuelve clásica: un pie carga con el peso del cuerpo mientras que el otro es flexionado, sin tensión. 

Las caderas se encuentran a desnivel y los hombros las equilibran. La cadera de la pierna recta es alta, el hombro correspondiente, bajo y al revés

Quienes destacan en el ámbito de la escultura son Mirón y Policleto. El doriforo de este último, impone un modelo que llegara a ser conocido como "el canon". 

praxíteles

Lo característico es la curva praxitélica. El cuerpo tiene la cadera arqueada formando una suave curva. Esta curva se puede apreciar desde un brazo extendido hasta los pies.

Afrodita de Cnido:

Mejor ejemplo de modelo femenino totalmente desnudo. Representa el amor en Grecia. Es la primera vez que un escultor se atreve a pintar una divinidad femenina desnuda, que presenta el momento de salir del baño.

Hermes de Olimpia:

Es el mejor ejemplo de hombre desnudo.

Sostiene un racimo de unas que le entrega al niño Dionisio.

Lisipo

Alarga el canon de medida: el cuerpo son 10 cabezas. Desmitifica la divinidad. Sus esculturas se pueden ver desde cualquier punto de vista. Los brazos siempre van delante.

FIDIAS

Su nombre está a ligado a Atenas y a un político: Pericles. Dirige la construcción del Acrópolis. Participa en el Partenón.

Obras en bronce y crisoelefantina.

Relieves: metopas (entre 2 triglifos) con los siguientes temas: Guerras de Troya, Gigantomaquia, Amazonomaquia (leyendas).

En los frontones del templo griego hay escenas de la diosa Palas Atenea, en que utiliza la técnica del paño mojado.

De bulto redondo: Palas Atenea Partenos. En crisoelefantina. En el altar. Tiene en la mano derecha una imagen de la victoria. Tiene en la mano izquierda un escudo con un relieve en el que representaba una amazonomaquia. La cabeza está tocada por un casco con 2 pegasos y una esfinge.

La arquitectura evoluciona de manera menos notoria. 

El Acrópolis

El acrópolis, literalmente la ciudad alta, es una colina en el centro de Atenas. 

Ahí fue donde Pericles mandó construir varios monumentos para dar esplendor a la ciudad. 

Los elementos más famosos del conjunto son probablemente:

Las Propileas, columnas que marcan la entrada del sanctuario.

El Erecteion, pequeño templo muy conocido por sus columnas en forma de mujer, las cariátides.

El Partenón, templo a Atena virgen, la protectora de la ciudad.

El Partenón[7]

Los arquitectos Iktinos y Kalicrates fueron quienes, bajo la supervisión de Fidias, construyeron el Partenón[8].

El Partenón es un templo dórico hecho de marmol, de 8x17 columnas. Éstas son más delgadas de lo usual. Tienen capiteles igualmente pequeños lo cual las hace ver más altas y más delgadas.

Todos los detalles han sido cuidados en extremo, tomando en cuenta la visión del espectador: Los espacios entre las columnas varían segun su colocación, e inclusive algunas de éstas presentan inclinación. El entablamiento es relativamente ligero y el estilobato es convexo.

Esos detalles refinados subrayan la altura, la rectitud de las líneas de construcción y su elegancia, misma que proyecta también la escultura que lo adorna.

Para quienes estamos acostumbrados a imaginar el arte griego como un arte sobrio y descolorido, es interesante notar que los frontones y frisos estaban alegremente pintados de rojo y azul.

La Escultura del Partenón.

El Partenón es adornado por estatuas y relieves:

Las estatuas de los frontones, que describen escenas de la vida de Atena, y la estatua libre de Atena Partenos en la cella. Sólo nos quedan de ella reproducciones, mas se consideró un modelo de refinamiento tanto por su recubrimiento de marfil y oro (sobre madera) como por el reflejo que producía en un pequeño estanque colocado frente a ella para mantener la humedad del marfil y evitar que se cuarteara.

En los relieves de los frisos exteriores (metopas) e interiores. La virtuosidad del escultor se manifiesta en la observación de ciertas convenciones que tienden a mantener la armonía del conjunto (por ejemplo: reducción del tamaño de los caballos para conservar las proporciones entre los humanos) o a permitir que la obra sea visible en su totalidad desde abajo, a pesar de la altura o de la oscuridad (las partes altas son más resaltadas que las bajas).

La serenidad de los personajes permanece, mas los cuerpos son más suaves que en el período severo.

Grecia Helenística (III a. de C. al 146 a. de C)

El período Helenístico corresponde al Imperio (Alejandro Magno), se extiende aproximadamente del siglo IV a.C. hasta el siglo I d.C., al este del Mediterráneo.

La cultura griega se expande. La arquitectura, escultura y pintura se caracterizan por la exageración. Es un período favorable al desarrollo de las artes porque los burgueses empiezan a coleccionar obras de arte.

Las características de la arquitectura helenística son el tamaño y el número de las columnas. Los edificios son altos, grandes e impresionantes. Las columnas son muy numerosas y frecuentemente existen frisos en las partes bajas.

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[1] Utilizaron la piedra caliza en el sur de Italia y Sicilia, el mármol en las islas griegas y en Asia Menor, y la caliza revestida con mármol en el continente.

[2] Los templos dóricos de Siracusa, Paestum, Selinonte, Agrigento, Pompeya, Tarento, Metaponte y Corfú (antigua Corcyra) todavía se conservan. Especialmente extraordinario es el templo de Poseidón en Paestum (c. 450 a.C.).

[3] Se pueden encontrar ejemplos de templos jónicos en Éfeso, cerca de la moderna Izmir (Turquía), en Atenas —el Erecteion— y algunos restos en Naucratis (Egipto).

[4] Dama de Auxerre: De bulto redondo. El manto es transparente. Pelo geometrizado. Ojos saltones. Rasgos arcaicos: expresión hierática, frontalidad, ojos almendrados, pelos ordenados geométricamente.

Hera de Samos: De bulto redondo. En mármol. Brazo pegado al cuerpo. Manto como el fuste de una columna. Pliegues abundantes.

Moscóforos: De bulto redondo. Ojos saltones. Precedente del Cristo del Buen Pastor paleocristiano. Anatomía mejor estudiada que en esculturas anteriores. Es un hombre que lleva un carnero.

[5] La pintura sigue una evolución parecida a la escultura. Es menos conocida porque las muestras que se conservan son mínimas. Es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que precisamente en la decoración de ánforas, platos y vasijas, fue donde pudo desarrollarse este arte. El estilo era geométrico y se caracterizaba por el esquematismo. En el periodo helenístico alcanzó un perfecto realismo, con total dominio de la luz, el color y la perspectiva. A pesar de las limitaciones impuestas por la técnica del mosaico, las copias conservadas dan testimonio del agudo sentido de la composición, el ritmo y el color de los pintores helenos.

[6] Como evidencian los trabajos estatuarios de las fachadas, columnas e interior de los templos, la escultura se hallaba estrechamente ligada a la arquitectura. El escultor griego, en consonancia con su concepción platónica del mundo intenta representar siempre el ideal absoluto de belleza. Su estilo cambia conforme cambia el concepto de belleza.

En el periodo arcaico, las normas aristocráticas imponen su rígido ideal de belleza. Representan el ideal de la educación aristocrática: un hombre que está por encima de aflicciones humanas, que domina totalmente sus sentimientos, su alma, ajeno a vicios y pasiones.

En el estilo clásico, idealismo y naturalidad se funden en un solo concepto. Gracias al estudio de las proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron definitivamente en expresividad y realismo. Son estatuas pesadas, musculosas, que consiguen la naturalidad pero siguen siendo cuerpos y rostros ideales. Se introdujo el concepto de "contrapposto", posición por la cual, la escultura se apoyaba totalmente sobre una pierna, dejando la otra libre y el principio del dinamismo cobró forma en las representaciones de atletas en plena acción. Las obras más famosas de este periodo son el Discóbolo de Mirón, el Doríforo de Policleto y los relieves del Partenón en Atenas de Fidias, considerado el mejor escultor de todos los tiempos.

En el periodo Postclásico las figuras son tan ideales como en periodo anterior, pero su pose es más distendida e indolente. Aparecen retratos de personajes heroizados. Los dioses de Praxitelses, siendo cuerpos perfectos, se acercan cada vez más en pose y naturalidad a los humanos. La obra más conocida en la actualidad es la Afrodita de Knidos, en la que se permite mostrar por primera vez el cuerpo semidesnudo de una mujer.

En el periodo helenístico se abre paso a una realidad exagerada, que queda fuera de lo que se considera puramente griego, se enfatizaron y sofisticaron las formas heredadas del clasicismo. Producto de esta ponderación surgieron obras de inigualable monumentalidad y belleza, como "El coloso de Rodas".

[7] El Partenón es un templo griego situado en la Acrópolis de Atenas y dedicado a la diosa Atenea.

Se le considera como una de las más bellas construcciones arquitectónicas de la humanidad.

Fue construido entre los años 447 y 432 a.C. por los arquitectos Ictino y Calícrates bajo la supervisión de Fidias autor de la decoración escultórica y de una gran estatua de Atenea en oro y marfil .

Esta construcción es uno de los ejemplos mas claros del saber en geometría por parte de los matemáticos y arquitectos griegos.

En él se consiguió el efecto visual no deformado, para ello se construyó deformado para conseguir el efecto visual perfecto:

a) No dejaron la misma distancia entre columnas.

b) Las columnas estaban abombadas en su centro .

c) La base estaba arqueada hacia arriba .

d) El frontón también estaba arqueado .

[8] La democracia de Pericles en la ciudad de Atenas, entre 450 y 430 A.C.

Estos 20 años representan el apogeo de la civilización griega en todos sus aspectos. Atenas es rica y poderosa, la democracia ha alcanzado su desarrollo extremo gracias a la participación inteligente de los ciudadanos y al liderazgo de Pericles quien decide invertir el "tesoro" de la ciudad en obras trascendentes.

En 447, encomienda al escultor Fidias la construcción de un conjunto de santuarios sobre el Acrópolis para reemplazar un templo anteriormente destruido por el enemigo persa.