Composición en rojo, amarillo y azul. Mondrian. Abstracción

Composición con rojo, amarillo y azul, de 55 x 55 cm, se conserva en la Tate Modern de Londres.

El Neoplasticismo fue creado en la ciudad holandesa de Leiden por Piet Mondrian y Theo van Doesburg, fundadores del grupo De Stijl, en 1917.
Ambos buscaban la pureza plástica total trabajando con formas geométricas regulares y ángulos rectos y utilizando colores primarios (el amarillo, el rojo y el azul) y neutros (el blanco y el negro).
Mondrian, que había llegado a la abstracción por la vía del cubismo, recibe dos influencias fundamentales en la evolución de su obra.
*.- Una surge del ámbito pictórico y se debe a las composiciones del pintor Bart van der Lek, cuyas reducciones a base de planos de colores puros marcarán la trayectoria de su nuevo estilo.
*.-. La otra aportación procede del campo filosófico. Toda su obra posterior va a estar marcada ideológicamente por la teosofía de raíz neoplatónica formulada por el matemático Dr. Mathieu Schoenmaekers, corriente de pensamiento místico muy en boga en Holanda durante la Primera Guerra Mundial, que propugnaba el rechazo a la realidad material en favor de otra más superior y espiritual.
El teósofo Schoenmaekers, en su ensayo de 1915, La nueva imagen del mundo, escribía: "Los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta son: la línea de fuerza horizontal, es decir, la trayectoria de la Tierra alrededor del Sol, y el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos que tiene su origen en el centro del sol. Los tres colores principales son el amarillo, el azul y el rojo. No existen más colores que ellos".
En su pintura, Mondrian, activo miembro de la Sociedad Teosófica holandesa, seguirá estos principios de manera muy estricta.
*.- Nunca abandonará la estructura de las líneas y los colores primarios.
*.- En sus obras se fusionan los dos elementos, elaborando un lenguaje plástico singular, liberado ya de todo individualismo, con el declarado propósito de "dar forma a las matemáticas".
En un escrito publicado en la revista De Stijl, en enero de 1918, ya propugnaba la necesidad de limitarse "a los tres colores primarios más el blanco, el negro y el gris".
Para el artista, "en la pintura real abstracta, el color primario sólo quiere decir que actúa como color básico. Por lo tanto, el color primario aparece de forma muy relativa; lo esencial es que se libere de lo individual y de las sensaciones individuales y que sólo manifieste la emoción serena de lo universal".
En su Composición con rojo, amarillo y azul (Composition with red, blue andyelow), de 1935, se aprecia perfectamente esta depuración de las formas.
Ese orden abstracto de rectángulos dentro de un orden basado en líneas que se cruzan siempre en ángulo recto alojando en los espacios cuadrangulares los tres colores (el azul, el rojo y el amarillo) que, con el blanco del fondo y el negro de las rayas, serán los únicos elementos que Mondrian utilizará durante muchos años, desde 1921 hasta 1941, cuando decide establecerse en Nueva York huyendo de los desastres de la II Guerra Mundial.
En la presente obra, el artista traza sobre el blanco de la tela líneas negras horizontales y verticales que determinan una trama de cuadrados y rectángulos, tres de ellos los ilumina con el rojo, el amarillo y el azul. Mondrian busca representar el cuadro en las dos dimensiones y evita crear la ilusión de profundidad, por eso omite cualquier línea curva o diagonal, porque representan la perspectiva.
El resultado es un cuadro perfectamente equilibrado, en donde el color, la forma y la disposición están estudiados según un perfecto orden mental, remitiéndose a las premisas teóricas expuestas en dos de sus ensayos: El arte y la vida (1930) y Arte plástico y arte plástico puro (1937).
La simplicidad de este lenguaje ha influido notablemente en el diseño y la arquitectura del siglo XX.
Al hablar de este estilo se ha de señalar el interés hacia la arquitectura oriental, principalmente japonesa, pues las obras de Mondrian parecen relacionarse con estos espacios interiores.

Sagrada Familia, Gaudí.

“La Sagrada Familia” realizada por Gaudí.

El arquitecto la concibió dentro de un cierto neogoticismo muy personal.

Está obra, de carácter religioso, está sustentada en una profunda fe religiosa que le lleva a diseñar este templo en honor de la Sagrada Familia.

Aunque inacabado, este templo nos recuerda a la construcción de las grandes catedrales de la Europa medieval.

Su estructura general:

*.- edificio religioso de planta de cruz latina con cinco naves y tres inmensas fachadas: la fachada de la Gloria, de la Natividad y de la Pasión, de las que las dos últimas están terminadas y que se corresponden a los extremos del crucero.

*.- Cada fachada constaría de cuatro torres que simbolizarían los doce apóstoles, y en el centro se alzarían otras cuatro que representarían a los cuatro evangelistas.

*.- Por último otras dos torres de gran altura se alzarían sobre el ábside y el crucero. Las naves longitudinales terminan en un gran ábside con seis capillas.

*.- Un claustro debería cerrar el conjunto.

Gaudí solo pudo terminar la fachada de la Natividad: sobre tres portales abiertos, con fantástica decoración escultórica, se levantan cuatro torres circulares cuyos vértices están cubiertos con mosaicos brillantes que resplandecen a la luz del sol.

Toda la fachada es una explosión de fantasía.

Situación actual:

*.- Las tres fachadas (dos de ellas acabadas -el Nacimiento y la Pasión-) tienen la misión de ilustrar de una manera comprensible los misterios del nacimiento, pasión y resurrección  de Jesucristo

*.-  Las torres, de perfil parabólico horadadas para resistir mejor los vientos, son a la vez instrumentos sonoros y símbolos religiosos.

*.- Hay cuatro torres-campanario que representan a los evangelistas y otras doce, de  cien metros de altura, a los apóstoles.

*.- El proyecto lo culminaría una gran torre central de 180 metros de altura.

Materiales utilizados:

Piedra, cemento, hierro y los mosaicos cerámicos que le dan una  gran riqueza plástica al conjunto.

La piedra y el hormigón son tratados de una manera fluida mediante una compleja geometría de estructuras abovedadas rodeadas de las torres en las fachadas.

Fachadas fantásticas de gran altura y rematadas por superficies cerámicas en los pináculos que destacan por su gran policromía

Es impresionante, en su modelado naturalista. Se inspira en la naturaleza en las formas orgánicas vivas para diseñar los espacios y el aspecto general de su obra.

Decoración escultórica: las fachadas están decoradas con tallas simbólicas de carácter orgánico y representaciones alegóricas de la liturgia de la Iglesia.

Soluciones técnicas: en su proyecto del interior (no realizado aún) las columnas se inclinan, funcionalmente, para recoger los empujes oblicuos de las bóvedas, pero como aún así, el peso de las bóvedas resulta excesivo, las columnas se ramifican en la parte superior para distribuir mejor el soporte de los empujes. El aspecto es orgánico y naturalista. Las columnas parecen árboles inclinados cuyas ramas sujetan un follaje de bóvedas parabólicas.

Con este proyecto, Gaudí se nos muestra como uno de los más claros arquitecto-artista-ingeniero que conoció la arquitectura contemporánea.

 El proyecto prevé la construcción de doce campanarios (uno por cada apóstol), cuatro más para los evangelistas, otro dedicado a la Virgen y el mas importante, de 170 m. de altura, coronado con la típica cruz de cuatro brazos de Gaudí, símbolo de Jesucristo.

Cada ventana, columna o elemento se refiere a santos, instituciones o misterios de la fe católica.

Actualmente, transcurridos más de un siglo desde su inicio, los trabajos siguen a un ritmo de construcción como el de las catedrales medievales, es decir, no muy rápido.

La única parte del templo edificada directamente por Gaudí es la que comprende el ábside y la fachada de la Natividad con sus cuatro campanarios.

 La polémica sobre la continuación de la obra a partir de 1952, es debida a la falta de dibujos originales que en buena parte fueron destruidos durante la guerra civil (1936-1939).