jueves, 16 de febrero de 2012

Renacimiento

Síntesis del Románico

El arte románico
El románico es un movimiento artístico internacional que, aunque con diferencias regionales, va a desarrollarse en la Europa occidental en la Alta Edad Media (En Francia, Alemania, Inglaterra, Italia y España).
Es la manifestación artística de la sociedad feudal.
El feudalismo es el sistema de organización económica, social y política de la Europa occidental durante los siglos IX a XII (la Alta Edad Media)
Origen:
Al final del Imperio romano, cuando los pueblos germánicos presionan sobre las fronteras y las instituciones entran en decadencia se crea: 
*.-  una situación de inseguridad general y personal que lleva al
*.- colapso de la circulación económica
Es un arte monástico y aristocrático que refleja la solidaridad entre el clero y la nobleza, unidos por:
sus mismos intereses económicos y políticos: los manasterios son señoríos feudales que poseen tierras y siervos para trabajar esas tierras y construyen edificaciones similares a los castillos, los castillos de Dios.
su mismo origen: en la Iglesia medieval los altos cargos eclesiásticos estaban reservados para los miembros de la nobleza.
La nobleza y el clero son los únicos clientes de obras de arte hasta el siglo XIII.
El castillo: lugares de residencia, de carácter defensivo, de la nobleza feudal.  Se construyen en lugares estratégicos para dominar las vías de comunicación de los territorios señoriales.  Los primeros castillos construídos en madera que se incendiaban fácilmente, dan paso, a partir del s. XI, a castillos de piedra.
Monasterios: se construyen en el campo como los castillos.
La catedral se convierte en el símbolo de la ciudad a partir del s. XI, en los lugares donde empieza a renacer la vida urbana.
Tanto el castillo como el monasterio no son sólo lugares donde conviven señores y siervos o donde se reúnen en oración el clero y los fieles sino que sirven para afirmar el poder de los dos estamentos sociales que detentan el poder: la nobleza y la Iglesia.
Monasterios: se construyen en el campo como los castillos.
La catedral se convierte en el símbolo de la ciudad a partir del s. XI, en los lugares donde empieza a renacer la vida urbana.
Tanto el castillo como el monasterio no son sólo lugares donde conviven señores y siervos o donde se reúnen en oración el clero y los fieles sino que sirven para afirmar el poder de los dos estamentos sociales que detentan el poder: la nobleza y la Iglesia.
Sin embargo, el carácter eminentemente sacro del arte románico proviene del monopolio casi exclusivo de la Iglesia sobre la cultura de la Alta Edad Media.  La Iglesia, a diferencia de la aristocracia pero apoyada por ésta, presenta una unidad ideológica y organizativa que queda plasmada en el arte de la época:
La cultura, que en épocas de los griegos y los romanos tenía un corte más humanista, pasa a entrar en relación directa con la fe y las verdades eternas
el mundo terrenal queda supeditado a la voluntad divina
De ahí que toda la vida intelectual, las ciencias y las artes dependan de la autoridad de la Iglesia.
Varios elementos contribuyen a este proceso:
 
El terror del año mil, que coincide con un período de calamidades, hambres y enfermedades, provoca el nacimiento de expresiones colectivas de fe.  Esto explica la preferencia del tema del Juicio Final en los pórticos de las iglesias y la abundancia de monstruos y visiones infernales.
Las peregrinaciones a ciudades santas como Jerusalem, Roma y Santiago de Compostela son vías de propagación de las mismas ideas y expresiones culturales.
 
Las órdenes monásticas, especialmente la orden benedictina de Cluny,  impulsan este movimiento y lo propagan por toda Europa.


Arquitectura
La arquitectura eclesiástica es la expresión más completa del arte románico. Las artes plásticas, escultura y pintura, quedan supeditadas a la arquitectura y ayudan a crear el ambiente sobrecogedor de las iglesias románicas.
Características: 
Aspecto sólido y severo
Planta basilical o de cruz latina dividida en un número impar de naves (generalmente 3): 
nave central más alta
naves laterales
Naves cubiertas por bóvedas de cañón van sustituyendo a las cubiertas de madera.  Unos arcos (arcos torales) dividen la bóveda en tramos y concentran su peso en determinados puntos donde se colocarán los contrafuertes.
Arco de medio punto sobre columnas unen las naves
La cabecera de la iglesia termina en ábsides semicirculares que corresponden a cada nave.  En las iglesias de peregrinación las naves continúan detrás del altar formando la girola.
El foco central de la iglesia es el altar, situado en el lugar de mayor visibilidad y encuadrado por pinturas murales.
Los muros exteriores gruesos, reforzados por contrafuertes exteriores, con ventanas de tamaño reducido sostienen el peso de las bóvedas.  Estos muros pueden ir decorados con relieves geométricos, arquerías ciegas, bandas verticales, ...
En la entrada una o dos torres, de planta cuadrada y y con huecos de arco de medio punto, rematan el edificio.
La decoración exterior, si la hay , se concentra en el pórtico.
En los monasterios  destacan los claustros, patios porticados que servían para unir las diferentes dependencias del monasterio (la iglesia, el refectorio).   La galería cubierta, permitía a los monjes protegerse de las inclemencias del tiempo.  Los arcos están apoyados en columnas, muchas veces geminadas.


La arquitectura románica en España va a estar influída por la cultura árabe y judía, que se manifiesta en el tratamiento decorativo, y por los modelos franceses. 
Se distinguen dos escuelas:


La del Camino de Santiago: esta vía de comunicación permite que talleres, a veces muy distantes entre sí, establezcan relaciones y se enriquezcan mutuamente.


La escuela catalana, ligada al arte francés y del norte de Italia

Arquitectura civil. 
Las manifestaciones más importantes de la arquitectura civil tienen um carácter defensivo:
  *.- Los castillos
  *.-  Las ciudades amuralladas.

Escultura
La escultura románica está ligada a la Iglesia y sirve para crear una determinada atmósfera en ella.  La escultura en piedra está supedidatada a la arquitectura , teniéndose que adaptar a la superficie a cubrir: 
Se concentran principalmente en capiteles y fachadas..
Los follajes, animales e incluso la figura humana tienen que adaptarse a las exigencias arquitectónicas.  Las figuras se pliegan y se tuercen , se estiran y se reducen según el espacio que tienen que ocupar.
Los temas preferidos para esculturas en madera policromada son los Crucificados y las Vírgenes con Niño.
La escultura también refleja la concepción del mundo de la Alta Edad Media dominada por la religión.  Su función no es meramente decorativa sino que sirve para instruir y provocar la piedad de los fieles: no se quiere desviar su atención con detalles demasiado realistas.
Aparecen así figuras no naturalistas, simbólicas que enseñan a unos fieles iletrados el camino de la salvación.
En la primera época se pierde la noción de proporción de las figuras que es sustituída por relaciones jerárquicas.
La figura humana es esquematizada, espiritualizada, estática, envuelta en ropajes con pliegues simétricos y paralelos.  Esta figura va a evolucionar hacia el naturalismo y a finales del siglo XII aparecen figuras mucho más expresivas que van perdiendo su rigidez.
La escultura románica se desarrolla principalmente en
Los capiteles de las iglesias y sobre todo de los claustros donde se representan:
*.- animales monstruosos, aves entrelazadas y motivos vegetales o escenas bíblicas, vidas de santos, alegorías de vicios y virtudes.
Los pórticos
*.-  Los pórticos de las iglesias que están formados por unos arcos concéntricos (las arquivoltas) que se apoyan sobre columnas, decoradas a veces con estatuas adosadas. En el espacio comprendido entre las arquivoltas y el dintel de la puerta se encuentra el tímpano, muchas veces ricamente decorado.  Los temas más repetidos en estos tímpanos son la figura del Pantócrator o Dios Todopoderoso y escenas del Juicio Final.


Pintura
Dentro de la pintura románica hay que distinguir:
La pintura eclesiástica mural o sobre tabla que se concentra alrededor del altar, foco central de la iglesia.
Las pinturas murales solían decorar la zona posterior del altar, los ábsides,  y también las bóvedas.
La pintura sobre tabla se utilizaba para los frontales de los altares.
Las miniaturas que decoran los códices.
La pintura eclesiástica mural o sobre tabla:
Como en el caso de la escultura su función es la de instruir y exaltar la piedad de los fieles. 
Para este fin no sirve el naturalismo:  si lo importante no es la vida terrenal sino la espiritual, lo que la pintura va a representar no es la naturaleza sino el espíritu. Por eso la pintura va a eliminar lo que es propio de la representación natural. 
*.- Va a eliminarla luz y la sombra para utlizar los colores planos, sin matices ni graduación.
*.- Va a eliminar el volumen delimitando para utilizar las superficies por líneas bien definidas.
*.- Va a eliminar la profundidad para utilizar un fondo neutro.
*.- Va a eliminarel movimiento oara utlizar formas estáticas
Las miniaturas:
Lu función de las miniaturas que iluminan los códices es la de ilustrar lo que explica el texto. En este caso se consiguen escenas más naturales y más complejas, más ricas en detalles.

martes, 7 de febrero de 2012

Impresión del Sol Naciente (Monet)


 
Impresión, sol naciente – Claude Monet.

* Óleo sobre lienzo
* 48 x 63 Cms
* Realizado en 1873
* Ubicado en el Museo Marmottan Monet, París
Características
- Preocupación por el efecto cambiante de la luz sobre la superficie de los objetos de la naturaleza, sobre todo, en movimiento (agua). Estudio de los efectos de la luz sobre los objetos de un modo científico.
- Representación de las sombras con multitud de matices de color que incluyen los complementarios del objeto que la proyecta.
- Análisis del color de la naturaleza bajo la luz cambiante.
- Estudio de la composición de los colores.
- Pincelada fragmentada y yuxtaposición de colores puros que se mezclan en la retina del espectador.
- Subjetividad del artista y del espectador que es quien mezcla las pinceladas en la retina.
- Se mantienen las covenciones de espacio y volumen.
- Temas de la vida cotidiana pintados al natural en un instante.


 Monet es figura destacada de los pintores impresionista.

Impresión, sol naciente fue pintado por Monet durante una breve estancia en El Havre en 1873.




El cuadro se presentó al año siguiente en la primera exposición de la Sociedad Anónima de Pintores — muestra alternativa al tradicional Salón que dependía del Estado — y que acogía a todos aquellos artistas deseosos de una renovación profunda de las artes.

El lienzo motivó que el periodista Louis Leroy escribiera poco después un artículo burlón en el que definía a aquellos pintores como “impresionistas”, término que caracterizó definitivamente al nuevo grupo.

La reacción de Leroy fue comprensible porque la pintura de Monet violaba numerosas convenciones artísticas.

Ciertamente, la obra parece un esbozo debido a que su pincelada suelta no define lo que representa.

La técnica es, en gran medida, el resultado del propósito impresionista de captar un momento fugaz al aire libre.

La obra se realizó desde una ventana frente al muelle de El Havre, a través de la cual Monet pintó con brío la ciudad moderna al amanecer para plasmar el panorama antes de que cambiara.

El cuadro es una cascada de pinceladas sueltas que dan cierta sensación de instantánea improvisación.

Al artista no le interesa el detalle, como así se aprecia en las barcas negras o en los fondos resueltos con nerviosos trazos grises, sino el instante de una escena en concreto.

La sensación de movimiento acuoso se consigue de forma magistral mediante la discontinua plasmación de las pinceladas en la superficie y el reflejo anaranjado solar que evita en todo momento una proyección estrictamente lineal. Impresión, sol naciente es una obra calculada que muestra un enorme interés por la llamada teoría del color. Si bien parece que el sol horada la neblina matutina a causa de su intenso color naranja, en realidad posee la misma luminosidad de su entorno. No en vano, en una fotografía en blanco y negro, el sol casi no se distingue y ese mismo efecto fue aprovechado de forma portentosa por Monet.

Dadas las implicaciones y posteriores repercusiones que tuvo este cuadro para el desarrollo del impresionismo y sus movimientos derivados, podemos afirmar sin temor a equivocarnos que Impresión, sol naciente, pese a sus reducidas dimensiones y a la aparente sencillez compositiva, es una de las pinturas más importantes de toda la historia del arte occidental.
 
Sincero, directo y completamente desintelectualizado, su labor va a constituirse en una verdadera revelación del trabajo artesanal y paciente que elude cualquier teoría y discusión de salón.
Cautivo en el inmenso espectáculo de la naturaleza, su visión se va a agudizar hasta extremos verdaderamente imprevisibles, percibiendo sus ojos antes que nadie los efectos de los rayos solares sobre todos los elementos del paisaje.
Espontáneo y natural a la vez, Monet va a saber conciliar perfectamente este aspecto mutante de lo natural con lo que su propia visión le está transmitiendo.
Así, de manera ciertamente inevitable, este discurrir acabará conduciéndole a la impotencia de no ver jamás trasladadas al lienzo esas impresiones directas que su ojo le transmite y ello pese a la portentosa educación de su sensibilidad.

Paulatinamente, Monet ahonda directamente en la naturaleza.
Pretende inscribirse en la escuela más realista y como tal empieza por repudiar el color negro — en realidad, dicho color no “existe” — aunque pronto se dará cuenta de que verdaderamente no existe color alguno, sino que estos son visibles por efectos de los rayos solares a través de las masas de aire, adoptando la misma forma infinidad de variaciones que la sitúan como en una instantánea entre multitud de transiciones.

Consciente de esta realidad, Monet elige como tema capital de su obra la luz y mayormente a través de sus reflejos sobre el agua.

Para ello, incluso se hizo construir un pequeño barco-estudio con el que va a recorrer continuamente las orillas del Sena tratando de reflejar ese mismo hecho de inestabilidades y de realidades eternas que constituyen la misma esencia del agua.

Su pintura se concreta en tres aspectos básicos:
La atmósfera, la intensidad lumínica y los reflejos acuosos.



Consecuentemente, yuxtapone o superpone pequeñas pinceladas en una suerte de rasgueo sobre la tela hecho casi de comas puntillistas que le acercan a la visión del natural como vivencia eterna e inagotable.

Así, Monet comienza a penetrar en el gran secreto de la estética impresionista, la posibilidad no sólo de sugerir un instante, sino incluso también la de mostrar sus pasados e inmediatos futuros.
Para ello, el agua posee una superficie hecha de movilidades que reflejan la luz como ninguna otra materia por su propia naturaleza inmutable y transparente. Una materia capaz de desmaterializaciones semejantes es imposible de encontrar fuera del agua y por eso Monet refuerza su mirada para descubrir el movimiento incesante de su superficie.

 Sin embargo, y a pesar de esta portentosa facultad de captar verdades fugitivas en cada silueta, Monet comprendió pronto su incapacidad para poder captar en toda su plenitud el instante, ya que no existe la posibilidad de conseguir que un lienzo detenga y pormenorice un momento.

Para solucionar el problema, Monet emprendió entonces su trabajo a través de series, es decir, un número indeterminado de cuadros que reflejan el mismo motivo a diferentes horas del día, pasando de una obra a otra conforme se modifiquen las circunstancias solares y lumínicas. Gracias a este sistema, Monet se acercó cada vez más a su objetivo de comunicar lo verdaderamente incomunicable, sucediéndose las series sobre diversos motivos.